Créatrice incontournable du XXe siècle, Charlotte Perriand (1903-1999) est l’une des fondatrices de l’architecture d’intérieur moderne. Figurant parmi les pionniers du design, bien que sa démarche reste avant tout celle d’une architecte, elle n’a cessé pendant les soixante-dix ans de sa vie de création de mener une réflexion politique et éthique sur l’habitat. Consciente de la nécessité de répondre aux aspirations d’une société en pleine mutation, découvrant au Japon une esthétique et une philosophie qui rejoint la modernité occidentale, Charlotte Perriand, par sa liberté et son extrême rigueur, a défini un espace de vie radicalement nouveau qui, aujourd’hui, nous est parfaitement naturel. Réalisée grâce aux archives Perriand ouvertes pour la première fois, cette monographie couvrant la période de 1903 à 1959 révèle une histoire de la création extrêmement complexe et intimement liée à la pensée politique à travers les relations d’amitié et les collaborations de Charlotte Perriand avec les plus grands architectes, ingénieurs et artistes de son époque.

La collection de design du Centre Pompidou est sans doute l'une des plus importantes du monde. Fondée au début des années 1990, elle s'est d'abord constituée autour d'un noyau d'oeuvres-icônes, incontournables jalons d'une histoire de la discipline au XXe siècle. Aujourd'hui forte de près de 8 000 oeuvres, elle couvre l'ensemble des périodes et des mouvements esthétiques du XXe siècle, jusqu'aux domaines de recherche et d'expérimentation les plus contemporains. Elle rassemble des oeuvres extraordinaires, le plus souvent uniques, qui jalonnent l'histoire du design, tels le prototype du célébrissime Fauteuil Grand Confort de Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret (1928) ou Bureau pour Robert Mallet-Stevens de Pierre Chareau (1927). Elle accueille également des objets ayant gagné une reconnaissance universelle comme le Bic Cristal (1950), vendu à plus de 100 milliards d'exemplaires. Ces 100 chefs-d'oeuvre du design permettront à tous les amateurs de découvrir les plus belles pièces de cette collection. Une collection qui évolue sans cesse et dont les cent chefs-d'oeuvre de demain seront, prenons-en le pari, une liste largement renouvelée.

Ni mouvement ni courant esthétique, l'Art déco est un état d'esprit, l'expression d'une volonté momentanée de définir le style d'une époque qui marque la France des années 1920. Préfigurant le futur, il apparaît comme le symptôme d'une modernité en mouvement, attaché en particulier aux arts décoratifs et industriels. Apparaissant à la suite des avancées plastiques du début du siècle, et en particulier le cubisme, auxquelles il doit beaucoup, et à l'instar des deux décennies qui le précèdent, l'Art déco valorise le changement, tout en s'affirmant contre la modernité et les modernistes en particulier, contre le dogmatisme, la normalisation, le positionnement idéologique. Son principal mérite sera d'avoir suscité une prodigieuse fécondité de la création dans les domaines des arts visuels, avec une ampleur universelle. Ce livre ne prétend pas être un ouvrage théorique sur l'Art déco. Il tient en particulier à rendre hommage aux jeunes antiquaires qui, à l'orée des années 1970, l'ont redécouvert, soutenu et défendu avec une détermination formidable, en l'imposant sur le marché de l'antiquité. Nous regarderons ces oeuvres pour leur valeur esthétique, qui fut si difficile à imposer aux yeux des collectionneurs et des simples amateurs. Elles sont aujourd'hui l'objet, à l'égal de l'art en général, des jeux spéculatifs qu'anime un marché mondial.

Gabriele Fahr-Becker nous restitue dans ce livre une image complexe de l’Art Nouveau sous toutes ses formes. L’art et la vie ne font qu’un – voilà ce que prônait l’Art Nouveau qui allait s’adapter aux exigences de la vie moderne et ouvrir la voie à l’art moderne. Sur la base d’idées communes se développa un style à la fois homogène et diversifié dans ses formes d’expression. Le Dr. Gabriele Fahr-Becker, historienne d’art, s’intéresse à cette volonté d’adopter de nouveaux codes stylistiques dans les différents domaines que sont l’architecture, les intérieurs, le design en matière de mobilier, l’orfèvrerie, la céramique et la verrerie, les estampes et la peinture. L’auteur présente aux lecteurs les différentes variantes nationales de l’Art Nouveau en Europe et en Amérique. L’importance du contexte littéraire et philosophique mais aussi culturel et politique est expliquée par les nombreuses thèses et les écrits d’artistes et de contemporains. Les innombrables interprétations de l’Art Nouveau nous donnent une image complexe et documentée de ce courant artistique, entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle.

Comment ce style qui a marqué quelques décennies seulement a-t-il suscité une vogue sans précédent tout en étant si décrié ? Dans presque toute l'Europe et aux États-Unis, dans cette période marquée par la naissance de l'industrialisation et les nouveautés techniques, les artistes artisans ont l'ambition d'abolir les frontières entre l'art et l'artisanat et d'en faire profiter le plus grand nombre. Peu à peu, l'Art nouveau ne concerne plus seulement les arts graphiques et le mobilier, mais tous les aspects de la vie quotidienne. Le nouveau style inspire les objets quotidiens, les vêtements, les affiches, les habitations privées et les monuments publics. Mais l'Art nouveau est beaucoup plus qu'un style décoratif : une façon de penser, de vivre les espaces et la modernité de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Près de soixante ans après sa disparition, l'œuvre de Robert Mallet-Stevens (1886-1945) nous permet de redécouvrir un architecte moderne, un théoricien sans dogme, à des lieues de l'image commune du dandy parisien qu'on lui attribue. (...)Sa filiation obligée avec le style international résume arbitrairement un parcours personnel atypique, homogène et libre. Choyé par une clientèle aisée et progressiste, écarté des commandes publiques, ignoré des industriels, Robert Mallet-Stevens a doté la France de quelques chefs-d'oeuvre de l'architecture privée qui ont rejoint sans peine l'histoire de l'architecture moderne, sans pour autant bénéficier de la protection inhérente à cette reconnaissance tardive. Dès sa première commande importante, la villa Noailles à Hyères, en 1923, l'artiste élabore un vocabulaire esthétique cohérent : complexité des volumes, nudité des surfaces et larges ouvertures se combinent en un savant jeu de cubes où règnent l'air et la lumière. Ses réalisations suivantes, la villa Poiret à Mézy-sur-Seine (1924), le garage Alfa-Roméo de la rue Marbeuf (1925), l'hôtel Barillet (1932), la villa Cavrois à Lille (1932) illustrent avec éloquence le but de ses recherches. Par ailleurs, il signe à Paris, en 1927, un ensemble unique de cinq maisons constituant la rue qui porte son nom. Ce manifeste cubiste, dont l'élégance a été gommée par des transformations drastiques, est aujourd'hui considéré comme une œuvre majeure de l'architecture du XXe siècle. Treize passionnés, venus de tous horizons - architectes, designers, journalistes ou historiens - se sont réunis pour croiser leurs points de vue et témoigner sur celui qu'ils considèrent comme un moderne à visage humain.

Le design urbain est une discipline à la croisée de l'architecture du paysage, de l'urbanisme et de l'architecture, qui consiste à créer ou à modifier une zone urbaine. Cet ouvrage retrace l'histoire et l'évolution de cette spécialité. Il détaille par ailleurs chaque élément entrant en jeu dans un projet urbain et, à travers des études de cas, analyse les différentes réflexions et méthodologies propres au design urbain. En expliquant avec clarté l'interaction de la discipline avec les problématiques de l'architecture du paysage, Design urbain offre une vision pertinente d'une spécialité en plein essor.