"Carcassonne est une des places manufacturières les plus considérables de France."
Comme Arthur Young, de nombreux commentateurs du XVIIIe siècle ont constaté avec surprise l'ampleur de l'activité drapière du chef-lieu audois. La ville et sa proche région formaient alors une des premières places françaises de confection de draps dont les productions s'exportaient jusqu'au Moyen-Orient.
Les récents travaux de restauration de l'ancienne manufacture royales de la Trivalle ont été l'occasion de redécouvrir ce pan oublié de l'histoire de l'économie régionale pendant laquelle le Languedoc se trouvait au cœur du circuit mondial du drap.
Tout en rappelant le contexte historique et notamment le rôle fondamental de Colbert, cet ouvrage fait découvrir le processus de fabrication des draps ainsi que l'histoire des deux familles ayant pris part au formidable essor de la manufacture royale. Il apporte également un éclairage architectural sur ce monument historique et explique le déroulement de son chantier de restauration en laissant les artisans présenter les différentes facettes de leur intervention.

Paule Pascal, née en 1932, entre à 15 ans à l’Ecole des beaux-arts de Nîmes puis à l’Ecole des beaux-arts de Paris, dans l’atelier du sculpteur Marcel Gimond de 1954 à 1958.
De retour à Nîmes, grâce au sculpteur et architecte Armand Pellier (1910-1989), elle travaille pour des oeuvres de grandes dimensions liées à l’architecture. Elle bénéficie de nombreuses commandes publiques et collabore avec les architectes les plus actifs du troisième quart du XXe siècle dans le Gard. Sur les chantiers d’Armand Pellier, elle réalise à Vauvert une frise et des piliers avec chevaux et taureaux de Camargue, des murs abstraits pour les agences du Crédit agricole, pour des villas des bas-reliefs, noyau d’escalier ou sculptures pour bassin. Pour Joseph Massota (1925-1989), elle sculpte un bas-relief en pierre du Pont du Gard sur le thème des moissons et des récoltes à la Maison de l’agriculture de Nîmes. Mais elle travaille également le béton moulé à l’église Saint-Dominique de Nîmes ou le métal avec un immense oiseau en tôle au lycée agricole de Rodilhan. Elle affectionne particulièrement le travail sur de grands murs qu’elle sculpte directement sur les chantiers, pour de nombreux immeubles nîmois et des résidences de la nouvelle station de Port Camargue. Elle réalise douze oeuvres au titre du 1% artistique dans des écoles, collèges, lycées du Gard, de l’Hérault, de l’ Aude et de Seine-Maritime, avec les architectes Chabanne, Chouleur, Agniel, Pagès, Catanèse, Pomier, faisant pour chaque lieu des propositions variées : rondes-bosses, petit théâtre de béton, lieu de rencontre animé, mur en tubulures… Paule Pascal envisage la sculpture non comme un art d’ornement, mais comme un art monumental intrinsèquement lié à l’architecture, elle reste durant toute sa carrière fidèle à l’emploi de la pierre du Pont du Gard, jaune et claire qu’elle traite dans un esprit abstrait et brutaliste. Plusieurs de ses oeuvres ont reçu le label « Patrimoine du XXe siècle ».

- Espèces urbaines en voies de disparition : Les affiches (7)
- Opinion : Faire la ville avec les artistes pour des pratiques artistiques situées (8)
- "Art et urbanisme : de la cerise sur le gâteau au clafoutis" (14)
- "On est un peu passé de la subversion à la subvention" (17)

- L'art dans la ville ou le "tournant culturel" de la contestation sociale (23)
- L'urbanisme culturel et artistique, créateur de désir (26)
- Le projet transfert a-t-il influencé la Fabrique de la ville ? (29)
- A Toulon, les artistes à bon port (34)

- Portfolio : un été au Havre (37)
- "La marche pour trébucher dans un espace inconnu", entretien avec l'architecte Francesco Careri (44)
- Le 1% artistique pour changer de regard à travers l'art (47)
- "Le rôle des DRAC est de créer des consensus, fédérer les énergies" (50)
- Bourges, une capitale culturelle à taille humaine (53)
- Quand la culture fait rayonner bourgs et petites villes (55)
- JO de Paris : une démarche artistique intégrée au village des athlètes (56)
- Que cherche l'artiste en investissant l'espace public ? (58)
- "La ville est un matériau de création vivant et en mouvement" (61)
- Le monstre qui sauva l'étang de Berre (62)
- "Les villes sont des lieux propices à l'imaginaire" (66)
- Le cinéma de proximité, cet atout du centre (69)

- L'invité : Maud le Floc'h, directrice et fondatrice du Polau-pôle arts & urbanisme (73)

Ce documentaire invite les ados à prendre des distances avec l’image, omniprésente, entre ce qui est capté de la réalité et ce qui est perçu sur des écrans et dans les journaux. Pour aiguiser notre regard, pour nous aider à dépasser l’indignation, la colère ou l’émotion qui nous saisissent devant un cliché, voici une trentaine de questions, d’images et autant d’histoires pour réfléchir à la façon dont nous regardons. Les photos de manifestations prennent-elles parti ? Les images d’actualité correspondent-elles toutes à la réalité ? Comment détecter des images truquées ? Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? Qu’est-ce que le droit à l’image ? Avec ce livre, les lecteurs ne regarderont plus les photos de la même façon!

- Sommes-nous plus beaux sur les selfies ? (4)
- Les photos de manifs prennent-elles parti ? (6)
- Qui choisit les photos dans les médias ? (9)
- Les photos d'actu correspondent-elles toutes à la réalité ? (12)
- Est-il facile de truquer une photo ? (14)
- Comment détecter des images truquées ? (17)
- Les scientifiques peuvent-ils nous aider à certifier des photos ? (20)
- Pourquoi les autres sont-ils toujours plus beaux sur Instagram ? (24)
- Un journaliste a-t-il le droit de me photographier ? (28)
- Pourquoi voit-on mieux les filles dans les photos de foule ? (30)
- Pourquoi les écolos sont-ils toujours pris au milieu des plantes vertes ? (33)
- Combien de temps a-t-on pour photographier quelqu'un de connu ? (36)
- Y a-t-il une bonne façon de montrer la souffrance ou la mort ? (38)
- Les reporters aident-ils ceux qui prennent en photo ? (42)
- Les photographes prennent-ils des risques ? (45)
- D'où sortent les images de l'espace ? (48)
- D'où sortent les images de virus et bactéries ? (51)
- Une image suffit-elle à saisir la situation ? (54)
- Comment illustrer les vagues de chaleur ? (58)
- Peut-on montrer la pénurie ? (62)
- Pourquoi la nourriture semble-t-elle toujours si bonne sur Instagram ? (64)
- La photo peut-elle être une preuve ? (66)
- Peut-on renonnaître une photo fabriquée par Intelligence artificielle ? (68)
- Pourquoi tout le monde fait-il les mêmes photos sur Instagram ? (70)
- Pourquoi y a-t-il toujours plein de monde sur les photos de meetings ? (72)
- Pourquoi publier des photos où les gens sont de dos ? (74)
- Les IA (intelligence artificielle) sont-elles racistes ? (78)
- A qui appartient une image générée par intelligence artificielle ? (80)
- Dans quel cas faut-il préciser que la photo a été retouchée ? (82)
- Comment devenir photographe ? (84)

Artoismarche, 171 km parcourus pendant 15 jours de marche photographique sur les routes et chemins de l'Artois.
« Combien de territoires sommes-nous conduits à traverser en bus, en train, en voiture sans aucune conscience de l'histoire qui se cache derrière ces paysages ? Notre perception s'en trouve dès lors altérée. Comment alors aller à la rencontre des « pays » ? En marchant à pied tout simplement. » La marche est au coeur du travail de Nicolas Frémiot. Un travail photographique créé grâce et à partir de ses déplacements dans la nature, l'environnement urbain et extra-urbain.

Croît de la pollution, raréfaction des ressources, dérèglements météorologiques, réchauffement climatique - Le désordre écologique est en route, lourd de menaces pour la survie des espèces, dont la nôtre. Bien des créateurs, conscients de l'urgence d'une réplique « verte », s'engagent et instituent de nouvelles normes d'expression, d'essence écologique. Pour changer les mentalités, pour réparer, pour refonder l'alliance avec la Terre, jusqu'à nouvel ordre notre unique zone d'habitat possible. Car l'anthropocène est là, cette ère de la vie de notre planète où les effets de l'activité humaine affectent celle-ci, en surface et dans l'atmosphère, plus que l'action tellurique. Ce qu'il faut, c'est agir, s'investir, susciter une symbolique du combat et de l'éthique. Adaptées aux exigences du développement durable, les oeuvres plasticiennes éprises d'écologie adoptent des formes inusitées : travail dans et avec la nature, développement de laboratoires, pratique du recyclage et des interventions éphémères, création collaborative et poétique de la responsabilité... L'annonce d'un âge nouveau de l'art.

Prendre un bain de nature
- La Terre est à moi ! (15)
- "L'idée de nature" : le bain visuel, et plus (25)
- Immersions et collaborations (33)
- Proximités et distances (43)

Vers l'éco-création
- L'écologie, un souci culturel croissant (57)
- Etre écologique ou ne pas l'être (67)
- Le corps renaturé (77)
- Le devenir naturel de l'art (85)
- L'Eden, naissance, retrouvailles et mort (95)
- Man Plus Environment (117)
- La "Solastalgie" et ses effets (129)

Pas à pas vers l'art utile
- Reconstruire la maison (155)
- L'éthique comme esthétique (175)
- Responsabilité (193)
- Parenthèses : créer avec l'arbre (217)
- Pas seulement "Green" pour un art écosophique et socizl (233)

Jeremy Deller propose aux anciens mineurs d'Orgreave de participer à la reconstitution historique en costume de l'émeute ouvrière anglaise de 1984. Javier Téllez organise avec les patients de l'hôpital psychiatrique de Tijuana la propulsion d'un homme-canon par-dessus la frontière américano-mexicaine. Thomas Hirschhorn invite les habitants d'un quartier du Bronx à construire un monument en l'honneur du philosophe Antonio Gramsci. Une peau de cerf sur les épaules, Marcus Coates rencontre les résidents d'HLM à Londres et réalise une consultation spirituelle du lieu, en qualité de chaman. Ces pratiques artistiques contemporaines forment une nouvelle galaxie étrange, qu'on appellera ici art en commun. Il s'agit de créer dans l'espace social plutôt que dans l'atelier ; sur une longue durée et avec d'autres plutôt qu'en son for intérieur ; de façon collective plutôt que démiurgique. L'œuvre n'est pas le fruit du travail de l'artiste seul, mais celui d'une collaboration en présence entre artiste et volontaires. Ce dispositif artistique bouleverse notre conception de l'art et nos catégories esthétiques. Mais il revêt aussi une dimension politique, en s'emparant des questions de participation et de communauté qui comptent parmi les enjeux les plus cruciaux des tentatives actuelles de vivification de la démocratie, comme de la reconfiguration de nos manières de vivre. Cet ouvrage propose d'interroger les liens entre participation en art et en politique dans le contexte démocratique et néolibéral qui est le nôtre. Et de penser comment l'art en commun peut contribuer à la réinvention des formes possibles du collectif.

Qu'est-ce que l'art en commun ?
- Quelles formes d'œuvres pour l'art en commun ? (21)
- Que veut dire participer ? (55)

Comment l'art en commun interroge notre conception de l'art
- Activer le spectateur (75)
- Intéresser le spectateur (81)
- La valeur d'usage contre le désintéressement (97)
- D'où parle-t-on quand on parle d'art en commun ? (115)

Le spectre de l'instrumentalisation de l'art
- Comment penser les relations entre l'art et la politique ? (147)
- Une politique culturelle au service du social ? (165)
- de l'évaluation de l'art à la formation des valeurs (173)
- Quand valeur esthétique et valeur sociale se transforment (195)
- Comment continuer à agir dans l'espace social pour les artistes ? (209)
- Quelques ruses contre l'instrumentalisation (221)

Participation et communauté : au croisement de l'art et de la politique
- Les différents visages de la participation en politique (231)
- L'invention de la communauté par l'art et par la politique (281)

Depuis plusieurs années, les occupations plus ou moins sauvages, par des artistes, de lieux industriels désaffectés se sont multipliées en France. Après un parcours souvent émaillé de luttes, l'action culturelle des friches artistiques a fini par mobiliser l'attention du ministère de la Culture qui a pris, en juin 2001, les premières mesures d'accompagnement et de soutien a ces expériences. Ce livre propose une enquête illustrée du phénomène dans sept lieux situés dans différentes villes de France (Bourges, Dijon, Grenoble, Marseille, Nice, Toulouse, Saint-Ouen) et tente de répondre à quelques questions : qui sont ces artistes ? quelles activités créent-ils dans ces lieux ? quels sont leurs rapports avec le public, les municipalités ? quel avenir envisagent-ils ?

Cet ouvrage se propose de questionner les différentes formes d'hybridation entre des pratiques artistiques, de design et d'architecture. Il adopte une perspective transdisciplinaire afin de réfléchir sur les espaces-temps de la création et leurs répercussions dans la pédagogie, la recherche et la transmission. Comme l'anthropologue Tim Ingold l'a montré, le substantif in-between (que l'on pourrait traduire en français par "entre-deux") indique un processus, un mouvement ou un devenir où les choses ne sont jamais figées dans une identité préconçue. Les auteurs (chercheurs, artistes, designers, architectes) ont choisi de se situer dans cet espace interstitiel.

À travers un retour réflexif sur des pratiques pédagogiques alternatives, ils essaient d'ouvrir de nouveaux territoires pour la recherche-création.

Préserver l'exigence de discontinuité (8)
From Stem To Steam, comment l'éducation peut-elle être transformée par l'art (18)

Contre-discipline et improvisation (33)
- Pédagogie de la variation (34)
- Quelques réflexions aux marges de la pratique pédagogique (47)
- Indiscipliner la recherche : une pédagogie relationnelle (60)

Recherche-action-création : un projet avec les résidentes d'un centre d'accueil temporaire (76)

Rythme, design, architecture (99)
- Habiter le rythme : l'action physique comme manière de penser le projet (100)
- Architecture et design d'espace, l'inconscient disciplinaire (115)
- Chute Still Alive (130)
- Place au son ! expérimentations transversales du sonore en école d'architecture (140)
- Approcher l'innovation sociale en design (149)

Langues et formes de la recherche (157)
- La recherche, ses langues et genres d'écriture : propositions issues d'un Chora L Reworks (158)
- The Extreme In-Between (172)
- Une expérience pédagogique de terrain (186)

Vivre / Travailler / Habiter (196)

Née au XIXe siècle, la photographie a jusqu’aux années 80 assumé un statut spécial où s’est jouée la question de sa reconnaissance en tant qu’art. Mais une fois acceptée comme telle, comme le cinéma, elle a pu continuer à jouer pleinement le rôle d’un « hors champ », parfois dans une pratique d’accompagnement intime quotidien comme l’a toujours été et l’est encore le dessin, parfois aussi comme la pierre de touche implicite à l’épreuve de laquelle essayer la vérité de l’oeuvre. Cette exposition ne traitera pas de l’image photographique comme simple source formelle. Elle ne présentera que peu de photographies mais évoquera celle-ci comme déclencheur de l’oeuvre. Le néologisme de contre-images, formé sur le modèle de contretype, permet d’identifier des démarches où l’œuvre est marquée de ce contact à la photographie. Dans la prise de vue photographique s’identifie un décalage: distance de celui qui prend la photo (la véritable expérience de l’instantané n’est-elle pas enfin réalisée à partir des années 60 avec les cabines des photomatons organisées autour d’un miroir), distance géographique de la photo collectée, collectionnée telles les vues anciennes dont l’exotisme ethnographique abreuve l’Europe, distance/présence du souvenir quand l’apparition se renouvelle à chaque regard (Barthes). Les œuvres sélectionnées ici se fondent sur ce décalage, celui d’une photo prise avant ou, après et à partir de l’oeuvre.

Traversées, inscrit dans la collection "Green vision", est la monographie de Catherine Mosbach, paysagiste mènant ses activités au croisement de multiple disciplines et sous formes très diverses : projets, recherches, éditions (coéditant notamment la revue pages paysages), expositions, enseignement...
Les co-productions de Catherine Mosbach se jouent des frontières. Elles s'exposent au MoMA de New York en 2005 ou encore à la fondation Beulas de Huesca en 2008. Le prix du Paysage Européen Rosa Barba récompense le jardin botanique de Bordeaux en 2003. Elle est professeur invitée de l'université de Pennsylvanie. Ses idées et ses projets reflètent les mouvements hybrides de ses parcours...

Cet ouvrage Traversées explore plusieurs horizons de son travail. Il privilégie les assemblages, les modes de fabrication et de prélèvements éclairés par les contributions d'Alessandra Ponte, de Jérôme Boutterin avec Sabine Ehrmann, d'une façon à la fois spontanée et exigeante, inquiète mais ferme, mixant zooms aux vues d'ensembles, ébauches aux développements, comme autant de traces adressées à une mémoire collective.

La collection de design du Centre Pompidou est sans doute l'une des plus importantes du monde. Fondée au début des années 1990, elle s'est d'abord constituée autour d'un noyau d'oeuvres-icônes, incontournables jalons d'une histoire de la discipline au XXe siècle. Aujourd'hui forte de près de 8 000 oeuvres, elle couvre l'ensemble des périodes et des mouvements esthétiques du XXe siècle, jusqu'aux domaines de recherche et d'expérimentation les plus contemporains. Elle rassemble des oeuvres extraordinaires, le plus souvent uniques, qui jalonnent l'histoire du design, tels le prototype du célébrissime Fauteuil Grand Confort de Le Corbusier, Charlotte Perriand et Pierre Jeanneret (1928) ou Bureau pour Robert Mallet-Stevens de Pierre Chareau (1927). Elle accueille également des objets ayant gagné une reconnaissance universelle comme le Bic Cristal (1950), vendu à plus de 100 milliards d'exemplaires. Ces 100 chefs-d'oeuvre du design permettront à tous les amateurs de découvrir les plus belles pièces de cette collection. Une collection qui évolue sans cesse et dont les cent chefs-d'oeuvre de demain seront, prenons-en le pari, une liste largement renouvelée.

Ni mouvement ni courant esthétique, l'Art déco est un état d'esprit, l'expression d'une volonté momentanée de définir le style d'une époque qui marque la France des années 1920. Préfigurant le futur, il apparaît comme le symptôme d'une modernité en mouvement, attaché en particulier aux arts décoratifs et industriels. Apparaissant à la suite des avancées plastiques du début du siècle, et en particulier le cubisme, auxquelles il doit beaucoup, et à l'instar des deux décennies qui le précèdent, l'Art déco valorise le changement, tout en s'affirmant contre la modernité et les modernistes en particulier, contre le dogmatisme, la normalisation, le positionnement idéologique. Son principal mérite sera d'avoir suscité une prodigieuse fécondité de la création dans les domaines des arts visuels, avec une ampleur universelle. Ce livre ne prétend pas être un ouvrage théorique sur l'Art déco. Il tient en particulier à rendre hommage aux jeunes antiquaires qui, à l'orée des années 1970, l'ont redécouvert, soutenu et défendu avec une détermination formidable, en l'imposant sur le marché de l'antiquité. Nous regarderons ces oeuvres pour leur valeur esthétique, qui fut si difficile à imposer aux yeux des collectionneurs et des simples amateurs. Elles sont aujourd'hui l'objet, à l'égal de l'art en général, des jeux spéculatifs qu'anime un marché mondial.

Gabriele Fahr-Becker nous restitue dans ce livre une image complexe de l’Art Nouveau sous toutes ses formes. L’art et la vie ne font qu’un – voilà ce que prônait l’Art Nouveau qui allait s’adapter aux exigences de la vie moderne et ouvrir la voie à l’art moderne. Sur la base d’idées communes se développa un style à la fois homogène et diversifié dans ses formes d’expression. Le Dr. Gabriele Fahr-Becker, historienne d’art, s’intéresse à cette volonté d’adopter de nouveaux codes stylistiques dans les différents domaines que sont l’architecture, les intérieurs, le design en matière de mobilier, l’orfèvrerie, la céramique et la verrerie, les estampes et la peinture. L’auteur présente aux lecteurs les différentes variantes nationales de l’Art Nouveau en Europe et en Amérique. L’importance du contexte littéraire et philosophique mais aussi culturel et politique est expliquée par les nombreuses thèses et les écrits d’artistes et de contemporains. Les innombrables interprétations de l’Art Nouveau nous donnent une image complexe et documentée de ce courant artistique, entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle.

Comment ce style qui a marqué quelques décennies seulement a-t-il suscité une vogue sans précédent tout en étant si décrié ? Dans presque toute l'Europe et aux États-Unis, dans cette période marquée par la naissance de l'industrialisation et les nouveautés techniques, les artistes artisans ont l'ambition d'abolir les frontières entre l'art et l'artisanat et d'en faire profiter le plus grand nombre. Peu à peu, l'Art nouveau ne concerne plus seulement les arts graphiques et le mobilier, mais tous les aspects de la vie quotidienne. Le nouveau style inspire les objets quotidiens, les vêtements, les affiches, les habitations privées et les monuments publics. Mais l'Art nouveau est beaucoup plus qu'un style décoratif : une façon de penser, de vivre les espaces et la modernité de la fin du XIXe et du début du XXe siècle.

Visuel, pratique, technique (mais pas trop !), complet et accessible, ce livre fait le tour d'horizon de tout ce qui constitue l'acte photographique. Il nous guide depuis l'instant où nous posons un regard différent sur ce qui nous entoure jusqu'au moment où nous fermons notre logiciel de retouche et considérons notre image aboutie.
Bon sens et constatations simples servent un contenu approfondi. Diagrammes de composition, comparatifs photo et pas à pas aident à visualiser les points essentiels qui permettent d'exercer son oeil et de relever le challenge d'une pratique photographique quotidienne et diversifiée.

Hector Guimard, né à Lyon en 1867, fut le représentant majeur de l'architecture Art Nouveau à Paris. Le Castel Béranger, un immeuble populaire construit à Auteuil entre 1895 et 1898, le rendit célèbre du jour au lendemain, pour l'originalité de son style et sa conception globale de l'architecture et de la décoration, tant extérieure qu'intérieure. Mais ce succès fut fragile, et toujours contesté ; les prises de position de l'architecte et ses formules " architecte d'art " ou " Style Guimard " contribuèrent à l'isoler. Les édicules du métropolitai
parisien restent son œuvre la plus populaire, et constituent même l'image incontournable du Paris autour de 1900. En tant que créateur de meubles, il a su faire évoluer son art vers un Art Nouveau plus classique, trè
proche de l'ébénisterie du XVIIIe siècle, tant par la pureté des formes que par la perfection des matériaux. Georges Vigne nous fait découvrir l'ensemble de l'œuvre d'Hector Guimard et à travers sa biographie nous évoque l'ère de l'Art Nouveau. Felipe Ferré nous livre sa précieuse et magnifique collection des photographies qu'il a consacrées aux œuvres d'Hector Guimard depuis plus de 30 ans. Ce livre est le résultat de leur rencontre;